Es definitivo, los títulos de las obras entregan de antemano una información que, provoca, invita, o desafía al espectador. De modo que lo primero que viene a mi mente es ¿Quién puede ser un testigo modesto? Porque de acuerdo con la legalidad, hay testigos de cargo, coadyuvantes, peritos, protegidos, etc., sin embargo, en la vida real o imaginaria, la compañía de danza Silencio Cuerpo en Movimiento, nos convoca a ver testigos modestos…

Ciudadano del Mundo

El espacio-tiempo de Mesías Maiguashca (Quito, 1938) abre ventanas para pensar qué hace el arte sonoro, cómo es crear con una máquina, de quién es la autoría y cuándo termina la obra. Maiguashca es jam session, acto sinfónico, rebelión: en la creación, es un híbrido entre lo humano y lo artificial; en lo performático, es resguardo de la singularidad; en lo canónico, es tránsito hacia creaciones inesperadas; en la no armonía, es un recurso creativo.

Deleuze, en Mil mesetas, indica:

“No hay principio ni fin en un rizoma, sino siempre un medio, por el cual crece y desborda.”

El trabajo de Maiguashca es un rizoma sonoro, un flujo donde la obra no es un objeto terminado, sino un territorio en constante expansión y tránsito. Registra el reflejo del ambiente acústico en nuestras ciudades hiperurbanizadas, captura el perfume y el bufido del ecosistema conquistado. Documenta las hondonadas híbridas invisibles de la ciudad que habita. Habla de posnaturaleza y ecología del paisaje. Sus exploraciones resuenan con esta idea: cada sonido, cada composición es un punto de fuga dentro de una red de relaciones, afectos y tecnologías.

Pero si Deleuze nos habla del sonido como fuerza en expansión, Rosa Luxemburgo nos recuerda la dimensión política de toda forma de creación. En La crisis de la socialdemocracia, advierte:

“La libertad es siempre y exclusivamente libertad para quien piensa diferente.”

Maiguashca no solo experimenta con el sonido: desafía las jerarquías del arte sonoro. Si la música clásica tradicional impone estructuras rígidas, Maiguashca abre el espectro, permitiendo que el azar, el error, el fracaso, la máquina y el entorno participen en la creación.

Lo sonoro en Maiguashca, aunque suene cursi, es: amarnos en este pantano de contradicciones, decirnos linduras al oído antes de partir en direcciones contrarias.

Con una composición sonora infinita, eterna, marcada por el extrañamiento frente al mundo, Maiguashca es un capo de la libertad creativa. No se sitúa en un revisionismo de ausencias académicas: no carga carretillas de escombros, desecha el repertorio de tics manidos del arte musical. Se hace cargo de la complejidad contemporánea, construye paisajes sonoros analógicos/digitales, galerías paralelas, túneles en círculo, como una red de autopistas subterráneas, e invita al espectador a una experiencia bajo tierra.

“Investigar es fabular por naturaleza en contra del sentido común.”

AYAYAYAY (1971) es un claro ejemplo de esto: creada dentro del Estudio de Música Electrónica de Radio Colonia/Alemania, la pieza parte de grabaciones analógicas realizadas con una grabadora de mano, recogiendo sonidos de la naturaleza (vientos, ríos, animales, lluvia) y ruidos de la ciudad (mercados, tráfico, conversaciones).

El resultado es un tejido sonoro híbrido, donde dos capas tonales dialogan:

1. Un fondo abstracto de sonidos electrónicos creados en el estudio.

2. Fragmentos del paisaje sonoro ecuatoriano, registrados en campo.

Aquí, la propuesta es interdisciplinaria: localizar, escuchar, grabar, editar y mapear los territorios cotidianos. Como en la filosofía deleuziana, el sonido no es un ente fijo, sino una multiplicidad en devenir. Maiguashca desarma la idea de la música como un arte cerrado y propone un territorio acústico en movimiento, un espacio donde lo humano y lo maquínico, lo orgánico y lo digital, lo individual y lo colectivo se entrelazan. 

Un archipiélago acústico 

Maiguashca inventó un archipiélago acústico, el deseo de comprender qué es el sonido lo llevó a investigar alrededor del método de análisis espectral:

“Nos da información sobre la conducta de frecuencias y amplitudes que conforman un sonido dado. De particular interés para mí fueron espectros ‘no armónicos’ (los que no se conforman según la serie de armónicos naturales), con los cuales estuve en contacto continuo por razón de mi trabajo en un laboratorio de música electrónica. Así pude aprender mucho sobre la morfología y el comportamiento de esos sonidos. El siguiente paso fue crear sonidos a partir de esa información, sintetizarlos, ya sea con instrumentos electrónicos o a través de una partitura para ser ejecutada por instrumentos musicales.”

Este trabajo lo llevó a la composición del ciclo Reading Castañeda, una obra en la que investigó “objetos sonoros” de metal durante más de diez años.

“Después de esa experiencia, es evidente que el aspecto espectral de un sonido o de una composición ha pasado a ser una preocupación fundamental de mi trabajo musical.”

Maiguashca lo tiene todo en investigación sonora: mini óperas, óperas, operetas, álbumes, conciertos electroacústicos, paisajes sonoros, escrituras instrumentales y muchísimo más. Su repositorio digital está en YouTube, Spotify, bibliotecas sonoras y videotecas.

Mesías Maiguashca es aquel amigue que buscas encontrar para pensar qué fue lo mejor del día, al mismo tiempo que imaginas circuitos sonoros imposibles. A esa hora del frío donde es imposible pensar en otra cosa más que en estar en la random rueda moscovita, llena de colores populares, donde nunca te atienden bien, pero hay aire y se está muy bien.

Allí podemos hablar de nuestros ataúdes y abrazarnos un poco, mientras pensamos en lo importante que es cada rastro de lo que compartimos en la vida.

Se formó en el Conservatorio Nacional de Quito, la Escuela de Música de Rochester, el Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales del Instituto Torcuato di Tella y los Cursos de Nueva Música de Colonia, donde trabajó con Karlheinz Stockhausen. Realizó producciones en el estudio de música de la WDR de Colonia, en el Centre Européen pour la Recherche Musicale de Metz, en el IRCAM de París (fundado por Pierre Boulez) y en el Zentrum für Kunst und Medien de Karlsruhe. Desde 1966, reside en Friburgo (Alemania), donde fundó en 1988, junto con Roland Breitenfeld, el K.O. Studio Freiburg, y donde enseñó música electrónica en la Musikhochschule Freiburg de 1990 a 2004.

Una de las piezas teatrales más icónicas del historial de La Petisa Babilonia, proyecto teatral multiétnico e itinerante, con sede en la carretera, es Fractales la geometría humana del caos.

Su estreno oficial fue en Quito, Ecuador, el 15, 16, 17 y 18 de julio en la sala Mariana de Jesús, año 2005, con la actuación de Cristina Marchán, Paula Perrini, Paulina Tapia y Perviter Sánchez.

Cuatro monólogos de siete, que conforman el libro publicado en Bogotá un año antes; para entonces Genoveva Mora escribiría en el diario EL Hoy lo siguiente: “metafóricas y sugerentes son las imágenes que abren la representación, de Último día de mujer clonada, con una escenografía dibujada mediante la delimitación espacial por figuras geométricas (…)  

En retrato desesperado de joven perdida proyecta a través de gestos y movimientos geométricos la desorientación y la búsqueda de sentido de un ser extraviado entre el alcohol y la soledad, (…)  en el personaje de Justine (tercera puesta) se interpreta un monólogo interior, un recuerdo en el que fluyen cantidad de imágenes y sentimientos que se pueblan de presencias (…) y termina Genoveva diciendo: hombre correcto en desacuerdo, irónicamente da cuenta de su título, es el talón de Aquiles de la noche, poco teatral en todos los sentidos, un texto que tampoco le favorece (…)”

La queridísima Genoveva a quien muchos le teníamos pánico teatral por sus certeras y a veces feroces críticas, no nos dejó en aquel entonces, tan mal parados, ja ja ja, pero obvio siempre agradezco las buenas palabras y los golpes duros, porque así mismo se fortalecen y mejoran las puestas teatrales, de eso se trata la crítica de aportarle a los trabajos ¿no? Ok.

Lo cierto es que antes de ese estreno habíamos hecho una versión bastante verde en Bogotá que además se convirtió en el último trabajo de aquel grupo que para entonces se llamaba X3.10 Unidades, porque en un deseo personal de irme a recorrer el sur del continente, aquel romance colectivo duro cuatro años, pero aun en Quito conservó ese nombre para este montaje, después la historia fue otra cosa.

Fractales está basado un poco en la teoría Fractal desde una perspectiva no solamente matemática sino de humanidad, de ahí el subtítulo de la obra y si algo recuerdo de ese montaje oficial en Quito, fue la entereza con la que el equipo de montaje afrontó los personajes, claro las tres actrices venían de la escuela del Malayerba, y en ese momento, Cristina y Paulina, formaban parte del grupo.

Una de las cosas grandes que tiene La Petisa Babilonia como herencia propia, es el haber construido y mantenido, parte de la memoria corporal -estructural- de los montajes según el paso y la cantidad de versiones que se han hecho, sumándole partituras nuevas que se proponen en cada versión.

Entonces si viéramos el primer y el último montaje veríamos, por ejemplo, en el monólogo interpretado por Paulina Tapia de aquel entonces, que aún hoy se conserva algunas de las partituras originales del estreno que ella interpretó, junto a lo que Yina Erazo en la última versión que estamos por estrenar ha propuesto para ciertos momentos.

Claro quizás a nadie le importa un comino eso, a mí sí, porque veo en esencia como las obras evolucionan guardando esas memorias, que no es nuevo, muchos grupos lo hacen, pero, en cambio, otros van variando de acuerdo al equipo y si es una creación colectiva o un proceso de montaje abierto, permite que sea el actor o la actriz quienes propongan en la escena la estructura.

Me gusta partir de lo que había y sobre eso proponer, pero si la estructura funciona, la actriz o el actor deben más bien darle potencia a la actuación, a la manera de encarar el texto o al carácter como tal de su personaje.

Fractales tuvo una versión muy interesante, pero un poco asfixiante en Buenos Aires, en el año 2006, con la que además hicimos una de las giras presentando en varias ciudades de Suramérica, el espacio escénico era superlimitado, tres círculos armados con cinta en el escenario, que se iba sacando después de cada monólogo para así dejar al último con muy poco espacio de representación, todo musicalizado con guitarras y bandoneón, ¿era interesante? Mucho, pero claro el texto es fuerte, la actuación precisa, la puesta cerrada y el maravilloso bandoneón, uff.

Una versión más que recuerdo de varias fue la que hicimos para otra gira en el año 2010, pero desde Bogotá hasta Buenos Aires y con otro equipo, el actor que hacia el personaje del monólogo más citadino, que además era un chico con pinta gomela, no tuvo lío de armar su personaje como un punk maltrecho e irse en personaje por todo Suramérica, metiéndonos en líos con las fronteras, y algunas muchas personas que simplemente odian a los punkeros.

En la última función de ese viaje,  presentada en el Festival Internacional de teatro de Lincoln por Hugo Archila y Linda Peña, la sacamos del estadio. Un periodista de El Diario, cuyo nombre no aparece en la nota, diría de aquella función: “Todo es una sinfonía acorde, desde la puesta en escena, la brillante actuación y la música, creando un clima desgarrador, permitiendo aflorar lo más vil de la miseria humana. Pocas veces tanta jerarquía subió al escenario del teatro GIDI”.

Esta última versión, que presentaremos dentro de la celebración de los 25 años de La Petisa…, con Yina Erazo, Sarah Alonso, Arhur García y la asistencia de dirección de Heily Daniela Guerrero, es una de las más naturales, under, con una influencia de música mexicana, debido a la última gira que hicimos por allá, y además el equipo no viene propiamente del teatro sino de la danza, entonces tiende a ser casi que como la primera versión, con mucho enfoque sobre las partituras de movimiento en cada monólogo, hace rato no se representan cuatro, sino tres monólogos, la luminotecnia es tosca al igual que la escenografía y el espacio escénico es limitado, pero suficiente, todo obviamente está pensado.

Sería lindo si Genoveva Mora pudiera venir al Teatro Casa Tea los días 14, 15 y 16 de marzo en Bogotá, para que vea la obra después de dos décadas y nos dé su crítica directa y sin adornos de esta última versión.

Prometo no ponerme tan nervioso como en aquel entonces, cuando la veía en la sala del teatro, agudizando la vista y guardando en su memoria las palabras que luego escribiría de la pieza teatral.

Fernando Jr Prieto: Director y dramaturgo de la Petisa Babilonia proyecto teatral multiétnico e itinerante con sede en la carretera.

Huasipungo, adaptada por Teatro Ensayo, es una representación basada en la novela de Jorge Icaza. Este montaje teatral, pone de manifiesto una realidad histórica y da cuenta del carácter clasista y racista de una sociedad; a la vez que lleva al escenario la brutalidad de la explotación indígena y la injusticia social que el libro denuncia.

Mirar la obra me llevó de inmediato a inmiscuirme en esa famosa sentencia dada por el filósofo Walter Benjamín en sus Tesis sobre el Concepto de Historia, donde manifiesta “No hay un solo documento de cultura que no sea a la vez de barbarie”.